viernes, 21 de diciembre de 2012

Mi Currículo de Dibujo y Pintura para Decimo Grado: Observación y experimentación.

DECIMO GRADO: Dibujo básico y Pintura básica.

Primer semestre, Dibujo básico
En el décimo grado, el maestro parte de la premisa que el estudiante no sabe nada y diseña un currículo de los conceptos básicos del arte. De 1976 a 1984 los estudiantes que ingresaban a mi curso en su 60% provenían de la escuela. Los 40% restantes eran estudiantes de nuevo ingreso provenientes de otras escuelas. 
El primer semestre el estudiante aprende dibujo básico en las primeras diez semanas y dibujo básico de la figura humana en las próximas diez semanas. Cada unidad, concepto o tema  que se estudia estará acompañado de imágenes visuales realizadas por artistas, validados en el arte  o por sus pares de años anteriores.  El énfasis en la parte teórica y en las unidades de creación son los artistas puertorriqueños. Debemos fomentar el orgullo por nuestro acervo cultural y reconocer la aportación de nuestros artistas visuales en el arte nacional y mundial.
Al comenzar un nuevo año escolar se repasan las normas de conducta de la escuela y las normas adicionales en el salón de arte. Al finalizar cada semestre se evalúa la libreta de bocetos y la libreta anotaciones de clase diaria. Al terminar cada unidad el estudiante toma una prueba escrita sobre la teoría estudiada.

El diseño del currículo de Dibujo Básico incluye:
  A-   Teoría de la luz y sombra.

B-   Nociones básicas de los elementos y principios del arte.

C-  Ejercicios de observación. 

D-  Ejercicios con las formas básicas geométricas.

E-   Captar el contorno por medio de la línea.

F-   Transformar el dibujo esquemático en forma. 

G-  Convertirlo en volumen tonal. 
En cada proceso se hace énfasis de la necesidad de ir desarrollando su código de expresión personal. Se trabajaban las experimentaciones en diferentes  materiales: lápiz de grafito, conté en barra, carbón comprimido, tinta, rotuladores de fieltro, lápices de colores y pastel de aceite. Realizarán experimentación en diferentes técnicas del dibujo: lineal, difuminado, borde duro, tramado lineal, punteado, “a color” y  mixto. Para concluir el mini curso se da la unidad, Dibujo de animales, con una duración de dos semanas. El estudiante trae al salón de clases  un animal vivo, para estudiarlo y dibujarlo en una de las técnicas aprendidas.

 En el Dibujo básico de figura humana, se sigue el mismo orden anterior y las técnicas.  Lo que cambiaba era el “objeto” a observar. Aquí está la clave, para no intimidarse con la figura humana, observarla como “objeto”.   Los estudiantes servían de modelo para este curso. Para el dibujo de ancianos y niños los estudiantes invitan a sus padres y hermanos a ser modelos por un día en el salón de clase. Se le añaden los conceptos de canon de proporción de la figura humana, dibujos rápidos de acción, escorzo, poses de acción, las expresiones del rostro, el formato exterior de la figura para comunicar una acción, el estudio individual de la mano, pie, brazo, pierna, cuello, nariz, boca, ojo, oreja y cabello, los músculos y el esqueleto del cuerpo humano.

Al finalizar cada proceso o mini unidad del curso el estudiante realiza un dibujo artístico del concepto nuevo y en la técnica estudiada. Estas obras se evaluaran a través del dialogo, la autocrítica y la crítica grupal. Se requiere al estudiante el uso correcto del  vocabulario en los términos y conceptos de las artes visuales. Los dibujos luego pasaran al portafolio preparado por el estudiante.
La novena semana es la “graduación”, realizaran la unidad llamada Dibujo creativo, que consiste en un medio mixto pegando papel, inspirado en los artistas puertorriqueños Antonio Martorell e Isabel Vázquez. La última semana se dedicara a la unidad de Caricatura e Historieta, en las técnicas aprendidas.
Segundo semestre, Pintura básica

En el segundo semestre se ofrece el nuevo curso  de Pintura Básica: Calidad cromática. Este dará  a los estudiantes los conocimientos y destrezas básicas en la teoría del color, basada en los postulados de Félix Bonilla Norat, pintor y educador puertorriqueño. Las primeras diez semanas son de experimentos continuos para adquirir la destreza de pintar. Es el “taller de ensenar el oficio de ser pintor”, donde el maestro guía paso a paso al estudiante en la adquisición de un conocimiento: ¿Cómo se pinta con calidad cromática? La técnica que se utilizará será el acrílico. Entre los experimentos están las armonías (colores complementarios, análoga, cuántica de la luz, monocromática, acromática y tríadica), las veladuras, la calidad cromática en los cuatro colores básicos (rojo, amarillo, azul y verde), el viaje del color, copia de un detalle de una pintura  impresionista, el color cuadriculado (según cambia el cuadrado cambia el color) la técnica del “collage” e impasto, como se realiza un drapeado, cristal, agua, metal, el rostro y el color “carne”. El estudiante es invadido por un mundo de color, que les da la bienvenida a la luz y las imágenes.

Las próximas ocho  semanas se dedicarán a realizar tres pinturas de formato rectangular, 24” x 36”. Estos serán sus primeros ensayos a la codificación de su lenguaje plástico. La primera obra es un tema clásico, Bodegón, con vegetales y frutas caribeñas.
El segundo trabajo estará basado en el detalle de la obra impresionista que realizaron en el proceso de experimentación, a esta unidad o concepto lo titulé Interior. Como “graduación” la tercera unidad-pintura la titulé,  La nueva realidad, basada en la obra de la pintora puertorriqueña Myrna Báez. Realizarán un paisaje de Puerto Rico con esténcil, mantillas, aerógrafo y acrílico. El criterio más importante de cada unidad es lograr la forma y el volumen tonal con calidad cromática de una manera limpia, vibrante y brillante.
Se ofrecen unas directrices de lo importante que es la firma del artista en las obras realizadas, este es el primer paso del artista por validar su obra al dar testimonio de autoría. Se dedica un periodo para que el estudiante diseñe su firma artística.

Las últimas semanas se ofrece la unidad de acuarela. La técnica más difícil de la pintura. El tema de la obra es libre. En la evaluación de la obra se añaden unos criterios más: la transparencia del color,  la sensación del color flotando sobre el papel y dejar ver el blanco del papel en un 20% de la obra. Criterios claros y medibles, dan como resultado la dirección correcta del proceso artístico.
En estos procesos de aprendizaje, el maestro somete la obra del estudiante a un análisis y crítica a través del diálogo. Primero el estudiante analiza sus logros, lo que le falta y donde necesita más orientación. Segundo sus compañeros de clase, analizan la obra referente al uso de los elementos y principios del diseño desde sus puntos de vista personales y dan recomendaciones. Finalmente, el maestro une todo lo discutido, y emite su análisis formal de la obra, en relación a los criterios de evaluación del curso y de la unidad. Evalúa como se resuelve cada una de las interrogantes de la unidad y da posibles soluciones al trabajo. Siempre visualizando la pintura/dibujo del estudiante como una obra de arte, que debe ser diferenciada de las de sus compañeros por el uso del diseño y de la estética.  Este sistema de evaluación y análisis de las obras por medio del dialogo, ayuda y estimula al alumno a practicar la autocrítica de un modo constructivo.
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Sirvan estas líneas para el propósito ulterior de este blog, servir de guía a los nuevos maestros de las artes visuales y los futuros artistas.


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