Cuando perdí la virginidad… un secreto escandaloso. Celebrando el primer aniversario.

“Una rebeldía bien dirigida puede convertirse en una inspiración”.

Recordar es vivir, es una magia que nos transporta a hechos, sentimientos, penas y felicidades. Hoy comparto con ustedes un secreto escandaloso, una agonía que se realizo lentamente y se convirtió  finalmente en “catarsis”. Perder la virginidad.

Les dejo como testimonio esta historia.  Narrarla me purifica y convierte mis demonios en ángeles.  Ustedes evaluaran si fue una aventura épica, romántica o escandalosa.

La conspiración comenzó un 2 de junio. Eran las 4:00  de la mañana cuando despierto sobresaltado en mi habitación, envuelto en sabanas que estaban sudadas y perfumadas con salitre de inconformidad. Gaudí Montiel, mi fiel gato se mueve un poco, murmura algo en lengua hermética, me mira y se vuelve a dormir. La invasión comenzó, las sombras acromáticas se acomodaban en fila india, una a una alrededor de mi cama. Murmuraban un rezo indescifrable pero melodioso. Eran  las mensajeras del oráculo. Presagiaban que algo cambiaria mi vida para siempre. Quede translucido y pálido ante mi realidad onírica.

 A las 6:05 am recibo un mensaje por correo electrónico de una amiga, que me sugiere hacer una publicación en la computadora (blog). El reto estaba lanzado.

No sé en qué momento paso, pero me había convertido en arcaico y medieval en los medios modernos de comunicación. Yo, que aún poseo una maquinilla de escribir de 1950, que parece que estoy picando maíz cuando escribo.  Acostumbrado a dar charlas, primero con el proyector opaco y luego con el proyector de diapositivas. Con un arsenal de diapositivas e imágenes en acetato, como memorabilia de un pasado costoso. ¿Cómo? ¿Dónde? ¿Cuándo?

¿Quién me diría que hoy no es necesario tener una biblioteca de libros de arte, viajar a diferentes museos por el mundo, comprar por catalogo, solicitar permisos especiales para retratar pinturas, documentos y graficas? Ahora todo está en las manos del matrimonio más inteligentes del mundo, la señora Google y señor Wilkipedia.  ¡Mi Dios! y lo más importante, es gratis, gratis... Ya no hay revelado costoso, imágenes en tonos tierra  y opacos, almacenamiento en cajas de carruseles y diapositivas. Ahora todo está en la capacidad del individuo de conocer y domesticar todos los instrumentos que la tecnología le ofrece.

Pero, demos marcha atrás, a mi realidad onírica. La confusión me cegaba como un vértigo de imágenes, Pensé, tendré que sacrificar varias obras de arte, tendré que besar varios… alimentare la mente de algún… quien me tendera la mano antes de lanzarme al abismo. ¿Cómo lo hago? Decido realizarlo a la antigua, por medio de la educación y el compromiso.

 Primero me di a la tarea de conseguir un sitio en internet para escribir un blog. Pero este debe tener unos requisitos, que sea gratis y con instrucciones para “dummies”. En esa búsqueda lo encontré, decidí conquistarlo, le obsequie tres docenas de rosas, chocolate y un buen vino y él accedió. Hoy adoro a “Blogger”, por tener esas cualidades. Próximo paso, comprar el equipo mínimo e indispensable. Cuando vi ese scanner  fue un flechazo de amor electrónico “alla prima”. Me habló de sus bondades, me prometió fidelidad y exactitud y que podría querer y mantener mi memorabilia polvorienta, educarla y renovar mis recuerdos amarillentos, mis fotos grises y rotas, mi documentación de hechos históricos e íntimos en imágenes de color.  Me apodere de él y me convertí en un esposo celoso, por esta máquina milagrosa que lo hace casi todo.  Pero, me contó su secreto, “no hago milagros sólo copio realidades”.

Pero el amor sigue creciendo, comienzo a cortejar al señor “Photoshop”. ¿Por qué no? Estamos en el siglo XXI. Este era más intenso y creativo que el anterior. Me da muchos problemas y aún no lo entiendo completamente. El me dice que soy el “dummies” mas terco que ha conocido, que arañe menos y difumine mas, pero entre pleito y pleito hay unos remansos de paz que satisfacen la imagen. ¿Será amor lo que sus palabras expresan? Mientras sigo eliminando arrugas y resaltando los colores de las fotos. Descubrí en sus brazos un nuevo mundo, lleno de iconos que no hacían mi voluntad, con instrucciones en lengua extranjera y borrar imágenes completas por tocar un botón ajeno. Me di cuenta nuevamente de mi vergonzosa e inocente ignorancia.

 Comienza la tarea de educarme y capacitarme con las nuevas herramientas en un constante “prueba y error”. Aumenté mi vocabulario y ahora sé que no es una palabra soez, el bajar los pixeles. Ahora puedo confundir al decirle a un espectador, “estas mas pixead@ que una foto”.

Esto sin mencionar que tuve que reeducarme en la escritura de una narrativa interesante y amena. Bajando la voz en los escritos para no ser tan Cruz-Díaz. Educación, siempre educación.  Aquí no hubo mecenas, ni celestina, ésta la aprendí en la universidad, solo tenia que refinarla. Nada le gana a los libros. Sólo basto con acariciar totalmente mi cerebro,  el lado izquierdo y el derecho y consentirlos en sus imprudencias.

Pasemos al diseño de la página, organizar y relacionar el texto y la imagen como un todo. Buscar la armonía estética y que sea legible. En este nuevo reto, no puedo bajar mis niveles de calidad y competencia. Siempre estoy en lucha conmigo para lograr este propósito, ofrecer lo mejor según mis capacidades.

Vuelvo a estar perdido, confuso y con vértigo en mi realidad onírica.  Ahora tengo que conquistar a la señorita “Kizoa” para que me brinde sus servicios de compañía gratis. Después de tres noches y sus madrugadas entre besos y “cordiales” la dominé. En las publicaciones anteriores: Decorativo, ¿Casualidad o causalidad? y El proceso creativo de Cruz-Díaz se adiciona  gracias a Kizoa unas presentaciones de despliegue de fotos animadas.

Ahora me dicen que hay una “nube” para recoger mis documentos, yo que pensaba que ella solo almacenaba agua. Todo cambia tan rápido que me convierto en “dummies” continuamente.

Hoy, un año después  de prueba y error, de aprendizaje, de aceptación, de conceptualización, reconozco que me he divertido y reído de mi mismo. Recordé, visualicé, soñé en tiempo y espacio de mis años desde 1976 hasta 1989. Lo grato y lo amargo. Esas pequeñas arrugas del corazón, que poco a poco he ido “planchando” para llamarme un sobreviviente.

Es bueno retomar este párrafo de mi primera publicación del blog, “Escribo este Diario Cromático, a manera de un portafolio que va a recopilar datos e imágenes que me persiguen y acompañan durante toda mi vida y dan como resultado la creación artística.  En éste encontraran mis ideas, recuerdos, temores y pasiones, acompañados de mis  dibujos, pinturas, cerámicas, mosaicos, fotografías y poemas. Un espacio a las citas de color y al aprendizaje. Daré unas pincelas cargadas de pigmentos a los  temas que soy susceptible: Arte, Educación, Pasión, Cultura, Sociedad, y todas las cosas que amo, pero también a las que odio”.

Este mes, agosto 2013, celebro mi primer aniversario y casi lo considero como un  quinceañero por ser la decimoquinta publicación. Repito,  “recordar es vivir”.  Los invito a esa magia   a través de los antiguos títulos publicados:

1-   Comienzo a escribir imágenes.

2-   Me llamaban diablo…

3-   Así me cobraron la novatada…

4-   Solo el que tiene “algo que decir…

5-   La inspiración no baja del cielo.

6-  De sentirme angustiado, acosado, abandonado, avergonzado…

7-   Mi currículo de dibujo y pintura para décimo grado.

8-   Decorativo.

9-   ¿Casualidad o causalidad?

10-   El proceso creativo de Cruz-Díaz.

11-   Calidad cromática.

12-   Nos echaron del paraíso.

13-   Desenterrando elefantes: La rebelión de las masas.

14-   Altar puertorriqueño.

Sirva este como testimonio de cómo perdí mi  virginidad. Aceptarla me costó perder mi inocencia y la aceptación de mi ignorancia total ante la tecnología del siglo XXI.  Hoy, confieso que la amo intensa y apasionadamente y es como el arte, un proceso de aprendizaje continuo y creativo. Esta vez lo grito con voz de trueno. Es simple perdí la virginidad con todos y cada uno de los elementos y herramientas que me conducen a la creación de este blog.  ¿Cuál es el secreto escandaloso? Somos un harem feliz.

La historia continuará…

Altar puertorriqueño: la imagen devocional…

Se dialoga con ella a través del rezo y se purifica el alma por las lágrimas.

Recuerdo de mis años de infancia, las vacaciones para visitar a mis abuelas y tías en Humacao. Familias muy devotas al “cristianismo” en general. Abuela Luisa, la mamá de mi padre, mantenía en la puerta de su ropero unas fotografías desteñidas por el tiempo, en blanco y negro de sus familiares ya fallecidos, recordatorios de bodas, escapularios de ángeles, santos y “vírgenes” y los famosos obituarios. Al lado de esta colección fantástica de recuerdos siempre tenía una velita prendida y un rosario. Aún escucho sus rezos nocturnos frente a estos y el brotar de unas lagrimas contenidas. Yo, niño, la apreciaba como algo mágico: las fotos, la plegaria, las lágrimas y la vela encendida.

Mi madre no tenía este rincón. Después de la muerte de mi padre en 1985, ella comenzó a crear en su coqueta, su estación mágica repitiendo la misma tradición pero ella lo adornaba y refrescaba con flores frescas de su jardín.

 

En el año 1987 visito en Caguas, a un lejano tío abuelo, y vuelvo a dar con la misma simbología, pero esta vez, separada, ubicada aparte. En el cuarto dormitorio en una tablilla de madera adosada a la pared. La vela estaba encendida y tenia incienso. Era una imagen merecedora de una pintura, con la luz amarillenta que penetraba por los espacios de la madera, el humo impregnado en la pared y los recortes de periódicos de sucesos gratos de la Isla. Esto me atrajo de sobremanera, y por fin le pregunto con voz entrecortada por respeto a su persona y por la visión que tenia al frente, ¿Qué significa para usted este espacio? El me responde, “es un pequeño altar a mis recuerdos y a mi familia. Es una manera de decir siempre están conmigo.”

Esto creó en mí una catarsis increíble: la imagen que se venera por los recuerdos, por el amor que hay detrás de cada foto, letra o devocionario. La memoria guarda recuerdos que se refuerzan con las imágenes en la fotografías. Se dialoga con ellas a través del rezo y se purifica el alma por las lágrimas.

De esta experiencia nace el Altar puertorriqueño. Mi mente evoca con exactitud cómo fue desarrollándose la idea de una nueva unidad de creación. Toda nueva preocupación estética del maestro dará como resultado una nueva unidad de creación artística. Al replantear mi propuesta a 20 estudiantes, tendré como resultados 20 soluciones diferentes.  Les comunico a los estudiantes mi preocupación artística, pero le añado, no quiero que su “altar” sea dedicado a la muerte y las tragedias, al contrario que sea un testimonio de vida, de alegría, de superación, de fantasías y deseos, por la patria, por su familia, por usted.  El  altar se puede dedicar a un santo, a un personaje relevante, a una persona importante, o un suceso transcendental para usted. El propósito es realizar una imagen tridimensionalmente luminosa, que sea “hermosa visualmente” y demuestre algo por lo que usted puede vivir o morir.  Este fue el reto lanzado a mis estudiantes de duodécimo grado en septiembre de 1987. Toda nueva unidad replantea soluciones diferentes, la parte conceptual es tan importante como la parte técnica de la obra.

Esta unidad se realizaría en medio mixto (una obra de arte  combinando distintos medios, técnicas, materiales y soportes). Debe  predominar la pintura o el dibujo, dependiendo de su especialidad. Se realizará dentro de una caja de madera, el tamaño mínimo de esta es 36” x 24” x 4”, con tapa de acrílico, para evitar que los espectadores alteren el contenido. El concepto era una vitrina que llevará iluminación en la parte superior interna de la caja. La imagen se realizará tridimensionalmente, por la colocación de las imágenes  y objetos y el uso de un mínimo de tres planos separados por una pulgada entre ellos. Es importante el uso personal de la perspectiva aérea y lineal. Pueden añadirles, “ready made” (Marcel Duchamp) o apropiación de objetos, fotografías, música, movimiento.

El factor de algo conocido que se recrea, no existe para los estudiantes. El altar puertorriqueño, como unidad de creación y el montaje de la obra no tenia parámetros de comparación con nada visto por ellos, no tenían un modelo a seguir, por ello se les da una libertad total de creación pero con estética.

El Altar puertorriqueño provoco diferentes reacciones, “Cuando el filósofo señala la Luna, el tonto se fija en el dedo.”  La minoría selecta enfilo sus cañones contra este,  al tildarlo de santería y brujería. La ignorancia aliada a las mentes carentes de creatividad y sensibilidad ven fantasmas donde solo habita la luz. Se entrevisto al maestro y los estudiantes, pero,…no encontraron causa,…ni maleficio.

En la exposición anual de estudiantes del 1988 se expone por primera vez este concepto, nunca realizado en Puerto Rico a ningún nivel educativo.

Resultado: Solicito un salón para exhibir esta unidad solamente, por la protección de las cajas-vitrinas, el tamaño de la obras, y el deseo de presentarlas como unidad nueva. Me dan un salón en el primer piso para la exhibición de la unidad únicamente. Se realizo un montaje escenográfico que el artista Antonio Martorell describió como: “una ambientación de vitrinas-retablos dirigida por el Maestro Gabriel Cruz rodea la mesa quirúrgica convertida en altar de comunicación barroco, donde fotos, copas rotas y objetos diversos se ofrecen a la mano como talismanes esperando dueño”. (La hora del  recreo, El Mundo, 29 de mayo de 1988).

Myrna Rodríguez, crítica de arte, al reseñar la Exposición Anual de Estudiantes de Arte de la Escuela Central, manifestó: “In my experience as collage profesor and art critic, I have seen better art works by youngster at this school. Many are better than those of collage art students. For example, professor Gabriel Cruz introduced this year an instructional unit “mixed media” by which advanced students worker in complex imagery combining drawing, painting and collage and assembling three-dimensional objects. The results have been extraordinary, with prizes granted for the best. In this special category of mixed media, called “Altar Puertorriqueño”, first prize went to Maristella Colón, second to José González, and Third to Wanda Maldonado. A special prize was given to José Enrique González for a life-size sculture against a wood easel, which has extraordinary dramatic effect.” (Santurce art students display surprising talent. The San Juan Start, 22 mayo, 1988).

 El próximo año, 1989, en la exposición anual de estudiantes se expone el Altar puertorriqueño con las piezas de las estudiantes de la clase graduanda. En el artículo  de Myrna Rodriguez, crítica de arte, señala: “Art events were performed at the opening Friday evening, April 14, including a baqiné (an infant’s funeral) and Taíno dance staged in Gabriel Cruz’s painting classroom, which was also set up as an exhibition gallery. On exhibit were a group of works called altar,” done in mixed media with a theme combining drawing, painting and found objects, even dead animals (like a rooster). Visitors were amazed at the varied display and the originality and technical rendering of these works, totally  different from  the art  most of them  are familiar  with”.   (Trove of talent at a public school, The San Juan Start, 23 abril, 1989).

El mejor resultado: La unidad Altar puertorriqueño apasiono a los estudiantes, se sentía en el ambiente su deseo de creatividad y disfrute por el medio mixto. El maestro los reto y los invito al ruedo. Los estudiantes aceptaron y el resultado fue GENIAL…

El resto es historia.

Desenterrando elefantes: la rebelión de las masas

“Es fácil esquivar la lanza, mas no el puñal oculto.” - Proverbio chino

Con la llegada de las masas a la Central, se gestiono un fenómeno social de apoderamiento del espacio físico. Estaban conscientes del pecado de Eva. Cada maestro-masa tiene una sensación de dominio y triunfo que le invita a dar por bueno todo lo sucedido. Participaban colectivamente en todo, imponiendo su opinión sin contemplaciones, al negarse a reconocer otras soluciones y opiniones. Se convierten en cómplices, pero se sienten salvados al saberse idéntico a los demás.

Esta adhesión se puede achacar a una combinación de varios factores: una administración cultural congelada en el pasado, el abuso sentimental que duele en la psiquis y el espíritu, con la frase  repetitiva, cada vez que había un problema interno,  “nos van a quitar la escuela”, la aparición de la masa y la minoría selectiva.

Primero, Eva gobierna, administra, forma una escuela para su bienestar. Luego, en cambio, los  administrados  empiezan a vivir para Eva. La Central se convirtió en un sepulcro blanqueado por sus educadores hipócritas, racistas, homofóbicos solapados y los llamados “cristianos”. Tener el poder total corrompe y nubla las decisiones creativas en pro del estudiante y la misión y visión de una escuela.

Los maestros-masa creen tener el conocimiento absoluto y poseen la comodidad que ofrece una escuela especializada, tiene más que suficiente, pero, carecen de proyectos educativos y artísticos. Sólo se preocupan por su bienestar y es insolidario con los que no profesen su bienestar. No se dan a la tarea de construir y destruyen al que desea ser diferente.

A este hecho se añade la creación de una minoría selecta (modelos de intercambios simples, amigables y gratuitos), un grupo de maestros que velaran, espiaran y murmuraran los decretos de Eva, como diría José Ortega y Gasset, "al que se exige más que a los demás, aunque no logre cumplir en su persona esas exigencias superiores."

Esa masa dirigida por la minoría selecta y amamantada por Eva, conspiró y se reveló contra mi persona en el año 1986. La violencia es el miedo a las ideas de los demás y la poca fe en las propias. El arte no debe estar al servicio de la política administrativa, al contrario, la administración debería estar al servicio del arte.

La masa hizo un frente común, La propaganda comenzó, difundiendo y adoctrinaron a sus estudiantes de intermedia a rechazar al taller de dibujo y pintura del nivel superior. Combatieron mi deseo de renovación continua con criterios óptimos de excelencia en el área de dibujo y pintura. No entendieron mis cambios curriculares en las artes visuales. Ignoraron mi  filosofía educativa en el proceso enseñanza aprendizaje. No soportaban los cambios anuales en las unidades de creación, los grandes e innovadores proyectos artísticos que nunca se habían realizado en el sistema público de enseñanza y universitario. Nublaron su entendimiento y señalaban como lenguaje profano mi frase icónica: “El arte es vida.”  

Se unieron en un fin común, impedir que el curso de Dibujo y Pintura utilizara el pasillo central del primer piso, para exponer las pinturas hiperrealistas, en la Exposición Anual de Estudiantes de 1987. La orientación fue abierta y clara  a los  estudiantes de noveno grado, no solicitar continuar su especialización en estas áreas.

 El propósito ulterior de la masa-maestro era demostrar que mi  currículo era exitoso solamente porque los estudiantes de décimo grado eran de la escuela y ya sabían dibujar y pintar. Como lee un proverbio chino: “Las mentes grandes discuten ideas; las medianas, cosas; y las pequeñas, personas.”

Resultado, de 1976 a 1984 los estudiantes que ingresaban a mi curso en su 60% provenían de la escuela. Los 40% restantes eran estudiantes de nuevo ingreso provenientes de otras escuelas. De 1985 a 1986   la matricula de décimo grado se nutria de un 45% de estudiantes de nuevo ingreso. Desde esa rebelión, en 1986-87 se nutrirá de un 90% de estudiantes que entran en décimo grado a la escuela por primera vez.

La rebelión de las masas tuvo éxito.

 Pero lo mejor me paso después de la rebelión. Era el momento indicado para demostrar mi premisa: “Todos estamos capacitados para dibujar y pintar. La técnica se puede enseñar”. Lo que nos falta es un currículo especializado para lograr este propósito. Readapté el currículo de décimo grado, ahora más consciente que el porciento era mayor de los estudiantes que no sabe nada de arte. Diseñe un mini currículo de los conceptos básicos del arte dentro del curso de Dibujo. ¡Eso fue fabuloso, lo mejor que me paso en esta rebelión de las masas!

La excelencia se desarrollo al 100%, porque el currículo  que  diseñé era, por razones obvias, pensando que el estudiante no sabía nada en dibujo y pintura. Se les capacitará en el medio del dibujo y pintura y en todas las técnicas, buscando la creatividad y excelencia.  

Tres factores determinaron la efectividad del currículo: primero su continuidad, cada unidad de creación supone diferentes niveles de dificultad en la actividad creacional, segundo el cuantitativo, la cantidad de obras realizadas comprueban la continuidad y variedad de técnicas y estilos y tercero el cualitativo el oficio del dibujo y la pintura prevalecen siempre en la producción artística la cual recibió excelentes  reseñas por los críticos especializados, universidades locales y extranjeras y  la prensa.

Resultado final, se demostró  que  el currículo de dibujo y  pintura es efectivo, por su base disciplinaria en el arte, son procesos de observación, sistemático y consciente. Se validó el currículo y al maestro.

Resultado ulterior, en el 1989-90, la clase graduanda es aquel 90% de estudiantes que entraron en décimo grado a la escuela por primera vez al curso de Dibujo y Pintura, en el año 1986-87. Para la  Exposición Anual de Estudiantes de 1989, el curso de dibujo y pintura del nivel superior inaugura el Teatro de la Escuela Central de Bellas Artes, como sala de exposiciones. Esto debido a la calidad de excelencia de los dibujos y pinturas y la gran cantidad realizada.

Por primera vez se utiliza el teatro. Un éxito… El resto es historia.

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Sirvan estas líneas para el propósito ulterior de este blog, servir de guía a los nuevos maestros de las artes visuales y los futuros artistas.

Recuerden que UN BLOG SE NUTRE DE SUS COMENTARIOS. Gracias, por los comentarios que me enviaron a mi e-mail, pero agradeceré se realicen en la zona de comentarios  al final de la página. El que desee que su nombre o imagen artística sea eliminado favor de solicitarlo en los comentarios.

Nos echaron del paraíso.

 “Lo que nos distingue de los animales es la memoria de nuestros errores". José  Ortega y Gasset

Partiendo de la premisa que nuestra cultura-sociedad padece de Alzheimer colectivo y seguramente estos incidentes ya están en el olvido. Contare una historia como la recuerdo, como la viví, para dejar evidencia de lo sucedido y no levantar mitos y héroes donde  solo habitaban fantasmas.

En el año 1983 nos comunican el deseo de renovación curricular del Departamento de Educación en el  Programa de Bellas Artes, utilizando a San Juan  para su proyecto piloto. El concepto innovador era integrar las tres escuela especializadas  de la Región de San Juan (Ballet: Escuela Julián Blanco, Teatro: Escuela José Julián Acosta y Artes Visuales: Escuela Lucchetti) en un solo edificio, la Escuela Superior Central. Con tres  directores y cada especialidad tendría un piso asignado en el edificio. El primer piso es de artes visuales, el segundo piso de teatro y el tercer piso de ballet. Una idea excelente, unir en un solo espacio las artes creativas del ser humano. De esta manera volveríamos a tener una matrícula homogénea en intereses y sensibilidad. Nos ofrecían la continuación del Edén en otro espacio, seria la continuación del paraíso Luchettiano. No se proyectó incluir la Escuela Libre de Música al estar cobijada por una ley diferente y tener en ese momento un edificio renovado.

Pero, a Eva, no le gusto este proyecto. Se cuenta que en el 1983, una Eva de alta jerarquía escolar se comió una manzana y fuimos despojados del edén-lucchetiano.  Algo transformo su deber educativo-artístico, a un  deseo de poder absoluto con líneas de terror, discrimen, exigencias y demandas. Yo  me convertí en Adán y me expulsaron también. Hoy lo medito y comprendo que yo no participé de ese pecado y trato de comprender el porqué. Todo aquello que un día fue un paraíso paradisiaco se cambio y nos  localizan en un falso paraíso centralino.

La Escuela Luchetti, para el año 1982 tenía una matrícula de alrededor de 295 estudiantes. En el año escolar 1983-84 aumenta a 645, y el próximo año escolar 1984-85, la población escolar es 940 estudiantes. Parecíamos sardinas en lata, en un espacio de hacinamiento, dificultades de organización, programas y materias que no se podían dar por el maestro a cargo. El último año en la Escuela Luchetti nos lo convirtieron en un infierno. Con un solo propósito, ocupar en su totalidad el edificio de la Central. Una diferencia de 645 estudiantes. Lo cual significa un aumento aproximado de 320% en tres años. ¿Qué fórmula, hechizo o milagro se gestiono en este paraíso para que se multiplicara desmedidamente la matrícula? ¿Dónde quedo el proceso de admisión de estudiantes a la escuela por medio de unas pruebas artísticas  y entrevista? ¿Por qué se cambio la norma que se aceptaran estudiantes de nuevo ingreso solo en los grados séptimos y décimo? ¿Cómo se altero la disposición donde se especifica que la selección de alumnos de nuevo ingreso se determinara a base de los recursos humanos y de la planta física disponible en la escuela? ¿Qué se ocultaba detrás de este acto? ¿Cuáles fueron las ganancias, y para quién?  Según la mitología judeocristiana, Eva comió un fruto prohibido del árbol del conocimiento y por ello fue expulsada, junto a Adán, del paraíso. Se trataba de mantener la jerarquía absoluta y escalar en rango, no de fomentar la sensibilidad, la creatividad y los valores éticos y estéticos.

En enero de 1985  trasladan solamente a la Escuela Luchetti al edificio de la Central High. Edificio que según los comunicados de prensa  fue remodelado con una “gran inversión de dinero de fondos estatales y federales”, alrededor de $500,000. Falso, solamente le pintaron la fachada, colocaron pisos de madera en el tercer piso para las clases de ballet, pintaron las persianas miami existentes para dar la sensación de nuevas y colocaron las ventanas de madera y cristal de la fachada que da a la Ave. Ponce de León.

No se hizo nada en el teatro, el gimnasio, el  techo de tejas a dos aguas que tiene un ático con plafón de más de 8 pies de altura lleno de comején y murciélagos. No arreglaron las filtraciones y hongo en el techo, ni la pésima iluminación y ventilación en los salones y pasillos. Ignoraron las escaleras  deterioradas y rotas. No construyeron rampas para el uso de personas con impedimentos, ni elevadores para cumplir con la Ley ADA. No se instalo una nueva fuente de energía para cumplir con los requisitos del National Electric Safety. No se instalaron bombas de agua para satisfacer las necesidades de agua en los talleres y baños de la escuela. No se cumplieron con los códigos de fuego y seguridad.  El famoso jardín paisajista frente a la fachada principal, tan anunciado en los medios de comunicación, que habían diseñado y contratado, no se hizo. En fin nos trasladaron a una escuela que se remodelo aproximadamente un 20%  solamente.

A partir de 1976 se le considera monumento histórico en Puerto Rico y en 1987 en el National Register Of Historic Place de E.U.  El nombre oficial y verdadero de la escuela desde 1988 es Escuela Central de Bellas Artes.

Yo… continúe con mi misión educativa en las artes visuales, y como dijo Violadores Del Verso en la canción, Máximo exponente: “si veis mi huella y huele a paraíso...  es porque estuve allí ayer, pero Eva me echo.”

Sirvan estas líneas para el propósito ulterior de este blog, servir de guía a los nuevos maestros de las artes visuales y los futuros artistas.

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CALIDAD CROMÁTICA… Al comienzo se dice suavemente, al final, la aceptan como de la Real Academia Española.

El maestro debe dialogar con los estudiantes un lenguaje correcto y especializado en el área de aprendizaje. Al dialogar de conceptos, procesos y técnicas artísticas, este lenguaje puede ser confuso “alla prima”. Como reza un proverbio chino, “El trabajo del pensamiento se parece a la perforación de un pozo: el agua es turbia al principio, más luego se clarifica”. Esto lanza un desafío al maestro. Mi problema, no poseía un vocabulario que definiera el concepto que yo deseaba desarrollar. Me di a la tarea de inventar un vocabulario que definiera mis propósitos. De este proceso surge la palabra “Calidad Cromática”. Al comienzo se dice suavemente (década del ’80), al final se pronuncia con voz de trueno (década del ’90), cuando todos la aceptan como una realidad de la Real Academia Española.
¿Qué es calidad cromática? Es la aplicación de diferentes colores sobre un matiz, para conseguir el volumen tonal del “objeto” sin utilizar el blanco como luz y el negro como sombra.

Cada objeto, figura o “cosa” tiene un matiz (color) determinado. Si observamos un objeto y nos preguntan ¿cual es su color?, expresamos, por ejemplo, el cielo es azul y las montañas son verdes. Al estudiar el objeto, comprendemos que el volumen tonal y la textura dentro del objeto definen y diferencia objetos del mismo color. Estas, lo convierten en tridimensional.
Pero ¿cómo aplicamos el volumen tonal a los objetos con calidad cromática? Observemos la imagen de la montaña.

Cuando nos preguntamos ¿Cuál es el color de la montaña? Contestamos: “la montaña es verde”. Si la analizamos entonces comprendemos que el matiz de la montaña es verde amarillento (color terciario). Para conseguir la sensación de volumen y tridimensionalidad, o sea, las subidas y bajadas de la superficie, se utilizaron todos los colores. Se mezclo el verde amarillento con el amarillo (color primario) para la luz y el verde amarillento con el violeta (color secundario) para la sombra. Pero los demás colores anaranjados, ocres, azules y rojos se utilizaron para lograr saturaciones diferentes del verde. Un manejo correcto del pincel para lograr las texturas representadas de piedra, pastizal y caminos es imprescindible para un balance perfecto entre volumen y textura.
La calidad cromática se interacciona con los diferentes conceptos:
• La aplicación de la primera capa/mano de pintura a la superficie a pintar. Lo más importante del proceso de pintura es su comienzo, aquí uno decide como va ser su narrativa de color. ¿Qué propuesta de color presento para resolver mi comunicación visual? ¿Cómo voy a trabajar los planos y que dirección tendrá la luz? El lienzo, tradicionalmente de color blanco total es la superficie donde vamos a trabajar. Este se convierte en el espacio donde se desarrollará la imagen. Hay que comenzar a delimitar en este espacio los planos de la imagen. Presento tres formas de resolver este comienzo.
o Primero, el más utilizado, pintar cada plano individualmente con el color matiz más oscuro de cada superficie.
o Segundo, pintar utilizado el color complementario en cada plano, o sea, en vez del color visual utilizamos el opuesto. Si la superficie o plano es verde, la pintamos de rojo. Al pintar sobre estos colores estos aparecerán accidentalmente dentro, detrás y por encima del plano, en áreas pequeñas.
o Tercero, pintar de un solo color todo el espacio, y este será el que predominara en la obra. Este será el color que viajara a través de toda la obra. Al pintar sobre este color las diferentes capas este se notara siempre accidentalmente en toda la obra/espacio, en áreas pequeñas.

• La dirección de la luz. ¿Donde está la fuente de luz en esta imagen? La luz proviene del lado superior derecho. Lo que significa que la montaña en su lado superior derecho va a recibir su luz máxima y en el lado opuesto la sombra máxima.

• La armonía complementaria. Si el matiz de la superficie es verde, es necesario que aparezca su color complementario el rojo en alguna área para que nuestra mente perceptual no lo recree. Por ello, llegamos a un anaranjado rojizo (color terciario) en la luz y a un violeta rojizo (color terciario) en la sombra.

• El viaje del color el color. Viajar supone utilizar el color matiz de un objeto dentro de un espacio y pintarlo en los planos que anteceden y preceden. El color verde amarillento de la montaña central debe viajar a los planos vecinos, la montaña que la antecede y a la que la precede. Pero cada plano va a tener un matiz diferente, que al mismo tiempo su color viajara a la montaña central. El plano que antecede el matiz es el verde oxidado y el plano que la precede es el azul violáceo.

• La teoría cuántica de la luz. La luz del sol (natural) se refleja o se absorbe por los objetos, y dependiendo de la hora del día este proceso cambia el tono del color percibido por el ojo humano. Los estudios de la teoría cuántica de la luz de Claude Monet, pintor impresionista, Félix Bonilla Norat y Daniel Lind pintores puertorriqueño nos brindan excelentes lecciones de color en sus obras pictóricas. Un uso correcto del color puede indicar en cual hora del “día” se represento la imagen. En esta su horario es temprano en la mañana, de 6:30 am a 9:00 am.

• El principio, un “color por sí solo no existe”. Un color depende del color próximo para su existencia, para su comparación, para ver su brillantez, para decidir si lo utilizamos como luz o sombra. Mezclar el color en la paleta es diferente a pintar ese color en la imagen. El color cambia “visualmente” porqué se ve afectado de sus vecinos.

• Veladuras y transparencias. Como aplicamos el color para lograr las texturas y las sensaciones cobra suma importancia. Podemos utilizar veladuras para lograr diferentes saturaciones en el área donde recibe menos luz, dar mancha fuerte color en las área donde recibe más cantidad de luz. Trabajar con transparencias para suavizar un color y lograr el viaje del color.

• Técnicas diversas en la aplicación del color. Realizar diferentes técnicas en la aplicación del color en la superficie, nos dará una diversidad de textura increíbles. Unos ejemplos son: La técnica de “pincel seco” (dry brush) para lograr el difuminado circular poroso y para que el color flote sobre la superficie. El chorreado (dipping) y el pulverizado del color, en algunas áreas, para conseguir grietas e imágenes borrosas. Imprimir el color con rolo, hojas, sellos, esponjas, para lograr la porosidad de las rocas y un follaje exuberante. La técnica del “frottage”, para imprimir objetos.

• El manejo del pincel. El pincel es un instrumento, que se convierte en la prolongación de la mano. No existe una manera correcta o incorrecta de usarlo, esta la decide el artista. Su soltura depende de su temperamento y de su intención.

• La intuición. Pintamos y repintamos para conseguir un efecto, pero el intelecto no debe interferir con la intuición. La intuición nos dará señales mentales hasta donde llegar, donde rompemos la norma, cuando añadimos ese toque diferente que nos lleva a nuestro código personal, a nuestro estilo.

La interacción de estos conceptos en la calidad cromática, dará como resultado una obra de color limpio, de lectura continua y separación de fondo y figura.
Sirvan estas líneas para el propósito ulterior de este blog, servir de guía a los nuevos maestros de las artes visuales y los futuros artistas.
Recuerden que UN BLOG SE NUTRE DE SUS COMENTARIOS. Gracias, por los comentarios que me enviaron a mi e-mail, pero agradeceré se realicen en la zona de comentarios al final de la página. El que desee que su nombre o imagen artística sea eliminado favor de solicitarlo en los comentarios.

EL PROCESO CREATIVO de CRUZ-DIAZ.

El dialogo estético triunfa a través del color…

Dialogaremos del proceso creativo, utilizando como referencia la pintura en acrílico, El llamado. Si hablamos del “proceso creativo”, nos referimos al conjunto de pasos o etapas sucesivas que se realizan para conseguir un determinado resultado estético. Esbozaré cual es mi metodología para su apreciación y análisis.

El primer paso es tener una inquietud, preocupación, algo que decir o preguntar. Esto sólo lo puedo transmitir por imágenes visuales. Aquí comienza el proceso creativo, porque una obra es un testimonio de “vida” del artista. Es un dialogo por medio de la intimidad. Mi inquietud es la representación de la soledad, que se convierte en grito en llamado en la inmensidad del paisaje puertorriqueño.

El segundo paso es el diseño visual de la idea, el llamado como boceto. La codificación de  esa inquietud en color, luz y formas. Este paso es uno de error-ensayo, continuo.  Los  bocetos  solo   son puntos de partida. La expresión del sentimiento sin palabras, el llamado o grito sin sonido. ¿Cómo lo presento en pintura? En esta etapa del diseño soluciono mentalmente como lograr un código legible. La interacción de los elementos y principios es interdependiente, no independiente. Cada elemento colabora con los otros. Un cambio en un elemento  hace diferente el todo. Por ejemplo, la ubicación de un color es importante en el plano pictórico para que la lectura sea efectiva. Si se altera el color, la pintura cambia drásticamente su lenguaje. Un cambio altera el todo y se procede a cambiar el entorno de la obra pictórica. No olvidemos que el principio más importante es la armonía y/o unidad. Para que esta unidad no resulte fría y calculada es necesaria la intuición. Luego de varias codificaciones selecciono el boceto que considero transmite mi comunicación.

Luego está el tercer paso, el taller de pintar. Se procede a dibujar de manera rápida las formas exteriores de la imagen, sin detalles, no estoy haciendo un dibujo.

El cuarto paso es la aplicación de la primera capa/mano de pintura, que es la más importante en la obra, ya sea pensando en los colores complementarios, el color que predominara en la obra o el matiz mas saturado de cada color. En este caso utilicé el color secundario anaranjado, como el que predominara en la obra.

En el quinto paso doy la segunda capa de color a la imagen, comienzo a dar la calidad cromática. Generalmente comienzo de la parte superior de la imagen a la parte inferior. Comienzo a definir la dirección de la luz y el viaje del color. Al terminar este paso, coloco  la imagen al revés  y me retiro sin observarla, hasta el otro día o cuando vuelva a retomar la pintura.

Sexto paso, al observar la pintura al revés, veo una nueva imagen y los errores se aprecian mejor. Comienza el dialogo entre obra y artista, entre emisor y receptor. Enumero mentalmente los errores en el código y busco su posible solución. No pinto, solo observo y reflexiono.

El séptimo paso es la culminación del dialogo. Es el más extenso, un proceso continuo de error-ensayo. La llamada inspiración, la liberación y purificación (catarsis) están en pleno apogeo. La ejecución y creación hacen una simbiosis. Toda respuesta al arte es evolutiva, el diseño cambiara continuamente según se elabora la pintura y van surgiendo nuevas interrogantes y dudas conceptuales. La mente continúa trabajando. El problema mental artístico sigue latente en el inconsciente,  te envía mensajes y se reinventa el código continuamente. Este paso se subdivide y comienzo a ver el todo con sus partes y la lectura del código como respuesta a la inquietud, donde el intelecto no debe interferir con la intuición. Se trabaja la imagen hasta lograr este resultado: inquietud = imagen = calidad cromática = código = estética.

Finalmente en el octavo paso, doy las luces máximas, sombras máximas y las sombras proyectadas. En este momento tengo una experiencia estética total. El dialogo estético triunfa a través del color.

Para una mejor comprensión de lo antes expuesto recomiendo la lectura de los blogs anteriores, el numero 4: Sólo el que tiene “algo que decir de manera diferente”, es el artista pintor… Porque toda respuesta al arte es evolutiva… se reinventa el código. Y el numero 5: La inspiración no baja del cielo… el boceto y la ejecución son diferentes creaciones… nos deleita la presentación anímica del objeto.

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